Se conoce como cantor repentista. Se cree que su nombre deriva del “payo” que era la denominación que se le daban a los campesinos españoles, por ello se cree que proviene de Europa. Tambien se habla de que pudo surgir por los trovadores de Provenza, debido a los polemicos versos que entablaban.
El payador posee una virtud instranferible e innata y suele ser dueño de reflexiones casi filosóficas en el breve instante en que su pensamiento se las dicta. Se denomina Payada al dialogo repentino de dos o mas personas, en esos “cantos” se realizan preguntas sobre diversos temas entre los contrincantes. Son varios los ritmos empleados para realizar payadas, algunos son la sextina o sextilla apareada, cuartetas, alejandrino, estilo, habanera entre otros más.
"El chamamé es un género musical bailable de música folclórica argentina, originaria del noreste argentino, en especial de la provincia de Corrientes y en provincia de Misiones; región denominada Litoral argentino. "Se caracteriza por una disposición musical poli-rítmica en la que podemos diferenciar una estructura de apoyo (bajo-base) mientras que la melodía, es decir el canto como los instrumentos de razguido se sobreponen melodicamente."
La danza puede tener un ritmo alegre y animado o por el contraio, ser triste y alegórica. Las migraciones interiores que se generaron enn Argentina en la segunda mitad del siglo XX, el chamamé comenzó a expandirse por varias ciudades de argentina, entre ellas Buenos aires.
Los primeros seguidores y precursores del chamamé en Argentina fueron quienes mas tuvieron contacto con los colones alemanes del Volga. De su originario Chotis se derivo el chamamé argentino.
Terminando mi travesía por el Brasil, conociendo un poco mas de su exuberante carnaval de Río, sus diferentes géneros musicales y las transformaciones que estos tuvieron, continuo mi recorrido por Argentina, otro pais con varias representaciones artísticas y folclóricas del territorio Americano.
“El Maxixe (también conocido como tango brasileño), es un tipo de danza de salón que se baila en pareja. El término define tanto a la forma de bailarlo como a la forma musical. Estaba de moda entre fines de siglo XIX y principios de siglo XX, contemporánea de la polca y de los orígenes del choro.”
Esta danza musical es originaria de Rió de Janeiro, alrededor del año 1870, aproximadamente por esa época también surgía el tango en Argentina y se dice que sufrió algunas influencias de esa danza.
Se dice que el Maxixe es una derivación de la polca, es decir como si los pasos de baile de este genero fueran adaptados al contexto y estilo brasileño.
Esta danza fue desarrollada por esclavos negros que provenían de Maxixe, Mozambique y es considerada una de las primeras danzas urbanas representativas del Brasil. Era considerada una danza prohibida, ya que la bailaban principalmente esclavos y prostitutas del país. Alrededor del año de 1914 fue apropiada por todas las clases sociales y se expandió con gran rapidez.
Los instrumentos musicales utilizados para interpretar este género son variables se puede encontrar en las interpretaciones el piano, guitarras, flautas, panderetas y otros instrumentos de percusión.
"La Bossa Nova fue un movimiento renovador en la música brasileña que repercutió mundialmente. Entre sus inovaciones, se propagó la práctica de los acordes disonantes y harmonias modulantes, interpretaciones intimistas, instrumental simple y lirismo coloquial." Con raíces en la samba tradicional, lo que resultó de esta mezcla fue un género más elaborado, desarrollado por músicos con base jazzística y erudita.
La bossa nova fue una alternativa musical ideada por inmigrantes europeos de clase media, admiradores de jaz estadounidense y de la musica clasica. Este genero musical se interpretaba de forma casi susurrante, como lo decia el famoso Joao Gilberto “Cantábamos como quien dice secretos de amor al oído de la mujer amada".
“Ese estilo de interpretación se adaptaba perfectamente a las delicadas letras de la bossa nova inspiradas por el trinomio amor- sonrisa-flor y en las playas de Río, a la suave mezcla rítmica entre samba y jazz, la sofisticada armonía de los acordes y a la refinada línea melódica de las canciones.”
La bossa nova es un genero musicalmente muy importante y muy brasilero, con gran fuerza en ese país y con cada ves mas adeptos alrededor del mundo, en gran parte se le debe reconocer a sus grandes interpretes como lo fueron Joao Gilberto, Carlos Lyra, Joao Donato entre otros.
"Danza de la fecundidad de origen angoleno. Debe su nombre a la coreografía de dicha danza, que incluía la frotación de los ombligos (semba significa ombligo en idioma bantú). Su ritmo sincopado es acompañado por instrumentos de percusión y también por cantos en los cuales se alternan el coro y los solistas. Por su origen, está directamente vinculada con el baile, que se da generalmente en grupos que danzan en círculos o en líneas dobles, evocando las reuniones que los esclavos prófugos realizaban en la selva para venerar a sus dioses."
Al principio, en Brasil, la samba no era uno de los ritmos y bailes mas conocidos de este país. Este género musical llego a brasil, específicamente por familias negras de orígenes africanos (Angola) que venían de la ciudad de bahía y se trasladaron a la capital de ese entonces que era Rió. En principio, cuando empezó a conocerse este género era escuchado por las clases mas bajas del país. A comienzos del siglo XX la samba, empezó a difundirse por todo el país con gran rapidez y comenzó a perfeccionarse y fue reconocida como genero musical.
En 1917 se conoce la primera grabación de este genero, interpretado por Donga y Mauro Almeida, ese grabación es considerada como el éxito del nuevo estilo musical que se estaba desarrollando en brasil y comenzó a ser escuchado por todas las clases sociales del país.
Alrededor de los años 30, la samba es incorporada al desfile de carnaval de la ciudad de rió, gracias a la apertura de la Escuela de Samba (escola de samba), dirigida por Ismael Silva.
La samba adoptó diferentes ritmos a medida que se iba expandiendo por todo el territorio brasileño y así fueron creándose novedosos estilos musicales.
Cumpliendo con mi objetivo de conocer mas sobre las diferentes expresiones artísticas dadas en América, y en estos momentos mas específicamente en México, quede muy contento con lo que aprendí. Las diferentes culturas y celebraciones de ellos, los grandes representantes artísticos que tuvieron y tienen, como lo es La grandiosa Frida Kahlo, que logro plasmar su gran dolor no solo físico, sino lo emocional, las vivencias de las personas en diferentes situaciones.
Con poco tiempo a mi favor, y ya a la vista el regreso a mi país Colombia, tomo un avión para Brasil, país de la zamba, capoeira, Bossa nova, en pocas palabras otro país culturalmente muy rico, espero encontrar grandes cosas en mi travesia.
Frida Kahlo nació Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón en Coyoacán, México, el 6 de Julio de 1907.Su padre era un fotógrafo judío-húngaro y su madre era de ascendencia indígena mexicana. Convertirse en pintora no estaba en los planes de Frida, siempre le llamo la atención convertirse en medico. A la edad de 18 años, esta idea se vio afectada por un accidente en autobús que tuvo y que le dejaron graves heridas en su cuerpo.
Sus primeras pinturas eran autorretratos, naturalezas muertas pero llenas de colores, muchas de estas pinturas inspiradas en el folclor mexicano. Frida no tuvo ningún entrenamiento artístico, solo unas clases en un instituto de arte y los libros de arte de su padre, Guillermo ya que este era un pintor aficionado.
Al principio de su carrera Frida no tenía un estilo propio, y sus pinturas reflejaban algunos de los artistas que ella admiraba. El primer autorretrato creado por Frida fue “autorretrato con vestido de terciopelo, creado en 1926”, era clara la influencia del renacimiento europeo en el estilo de los retratistas mexicanos de esa época. Se dice que este autorretrato fue la interpretación de Frida de la Venus de Boticceli.
"Autorretrato con vestido de terciopelo"
Frida Kahlo experimento con diferentes estilos y temas, pero fue su interpretación del surrealismos y las referencias sexuales de sus obras las que impactaron más alrededor del mundo. Esta artista creo alrededor de 200 pinturas, dibujos y esbozos, los cuales se relacionaban con sus experiencias de vida, sus dolores físicos y emocionales causados por el accidente que tuvo y su turbulenta relación con Diego Rivera.
Frida, la artista más grande y mas original de México falleció a la edad de 47 años, el 13 de julio de 1954. Fue cremada a voluntad de ella y estas fueron las palabras que utilizo: “Quemas mi cuerpo… No quiero ser enterrada. He pasado mucho tiempo acostado. ¡Simplemente Quemarlo!" Las cenizas de esta artista yacen en la casa azul, donde compartió su vida Junto a Diego Rivera y la cual e convirtió en un museo, el museo Frida Kahlo.
El 1º y el 2 de noviembre en México pertenecen a los muertos. Son días festivos para los Mexicanos, patrios, días sagrados que se vuelven públicos y se recuerda al dios azteca del cielo nocturno, Tezcatlipoca.
La muerte en México es celebrada, es fiesta, son risas de los mexicanos, son velas encendidas representando ofrendas a los muertos que ya han alcanzado la perfección y la sabiduría.Es claro que no solo en México se celebra sus muertos con diferentes ritos, pero en ningún país, y eso vale la pena decirle, se celebra como se celebra en México.
La celebración mexicana de día de muertos es dulce, azúcar. Los esqueletos, los cráneos, son hechos de azúcar. También es la celebración del año mas importante después de la navidad.
Se crea un altar en el sitio mas representativo de la casa, en donde se ven las ofrendas que se realizan a los muertos, una ofrenda que nunca puede faltar en estos altares es el maíz, ya que para ellos es una planta sagrada que asegura la continuidad de la vida. Además del maíz, se colocan veladoras como símbolo de faros que guían a cada alma hacia su altar.
Las madres de familia con sus hijos esparcen pétalos de cempasúchil, para indicarle al difunto la entrada de su antiguo hogar. También en estos altares se ponen objetos que eran de uso personal del difunto; como todos los altares son representaciones de los difuntos de las familias que conforman el hogar.
Se cree que esta tradición del día de muertos conserva elementos de las ceremonias indígenas de los meses ochpaniztl (octubre) y teotleco (noviembre). Durante esos meses se ofrendaban flores de cempasúchil y tamales de maíz y estos eran los meses en los que las cosechas se recogían, es decir ofrendaban las flores y los tamales para obtener cosechas abundantes.
Tanto en México, como en otros países del mundo la muerte es parte de la vida cotidiana, aparece en el uso diario, en platos, ollas, vasijas, braseros, metates, copales. “La muerte no espanta, al contrario, nos recuerda que todo pasa, que todo lo terrestre se acaba.
Terminando mi corta travesía por Estados unidos, y ya habiendo aprendido un poco mas sobre algunas de las expresiones artísticas que se desarrollaron en ese país, me dirijo hacia mi nuevo destino México. País que me llama la atención por el gran bagaje cultural que tiene en sus hombros, las importantes culturas que se desarrollaron allá (Mayas y Aztecas), las curiosas tradiciones que celebran en ese país y los importantes artistas que ha tenido (Frida Kahlo), esos son uno de los motivos por los que continuo mi viaje en ese pais, así que los espero para que conozcan un poco mas de esta cultura conmigo.
La escuela de Ashcan fue una agrupación de pintores positivistas estadounidenses que estuvieron en actividad entre los años 1908 y 1918, radicados en la ciudad de New York.Principalmente los pintores de esta escuela se especializaron específicamente en la vida diaria de esta gran ciudad.El principal precursor de esta escuela fue Robert Henry, y motivo a otro grupo de pintores William Glackens, George Luks, Everet Shinn y Jhon French Sloan.Principalmente se dedicaron a retratar aspectos de la vida estadounidense dentro de un estilo realista, vigoroso y dramático.El principal interés de esta escuela, y es clara a la hora de observar las diferentes pinturas de estos artistas, era el aspecto pintoresco, por así decirlo, en los temas que ellos trataban (vida cotidiana)y no en las cuestiones sociales que podían suscitar a la hora de plasmarlas en sus pinturas, como pintar los barrios marginados de la ciudad.
New Orleans, aparte de ser reconocida por la Gran catástrofe ocurrida hace algunos años atrás (huracán Katrina), por su colorido y eufórico Mardi gras, también es conocida por ser la cuna del Jazz en Estados Unidos. El jazz es y ha sido parte de la historia social de los Estados Unidos. Es claro para todos el mundo que en estados unidos siempre ha existido una subcultura negra de gran tamaño que se había resistido a la corriente cultural de aquellos años en este país. Esta subcultura habia creado un sistema musical para su uso propio, el cual agradaba tanto a blancos como a negros y era interpretado en representaciones teatrales llamadas misntrel shows, y también en cantos espiritualesal rededor del año 1900, precisamente en New Orleans era donde abundaba este tipo de música negra por así decirlo.
El nacimiento del jazz, podría decirse que es el resultado de la unión o de la evolución de antiguos géneros musicales parecidos de alguna manera, como lo era el Ragtime. Su característica principal era la superposición de un ritmo regular tocado con la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano derecha, este ritmo también tenia algunas notas del blues. Por esta razón es que se dice que el nacimiento del jazz se deriva de estos diferentes géneros musicales de la cultura afroamericana.
Las raíces de este género, se derivan claramente de la cultura africana que había llegado a Estados Unidos como esclavos, debido a los instrumentos que son utilizados a la hora de tocarlo. Algunos de estos instrumentos son utilizados para marcar el ritmo y los que tocan la melodia, estos son:
Melódicos: el piano, el saxofón, la trompeta y el banjo-guitarra.
Rítmicos: la batería y el contrabajo
Desde las primeras apariciones del jazz en Estados unidos (1900) con el músico y autoproclamado "inventor del jazz" hasta los días de hoy, el jazz ha evolucionado de diferentes formas, acordes a las diferentes epocas y situaciones que ocurrieron en este pais, pero a fin de cuentas la esencia es la misma.
En 1923, orquestas como King Oliver y de Jerry Roll Morton empezaron a grabar discos que anunciaban el jazz.
Acá les dejo un poco de música de estos pioneros en el Jazz.
Después de conocer un poco mas sobre las diferentes expresiones musicales que existen en Colombia, un País de una diversidad increíble, que cada día me enamora mas, me dispongo a seguir con mi viaje, a conocer un poco mas sobre esa gran cantidad de expresiones artiíticas que han ocurrido en los diferentes países de américa y que poco sabemos sobre ellas e inclusive en sus mismo paises en donde se han originado tampoco se conoce mucho de estas.
Sin mas preámbulos les cuento a ustedes compañeros de viaje, que he decidido continuar mi recorrido en un país en el cual se han concentrado gran cantidad de expresiones artísticas, musicales en fin, este pais es Estados Unidos, y ya que soy un melómano, me apasiona la música voy a indagar un poco mas sobre los diferentes generos musicales que sugieron, al igual que algunas corrientes artísticas de las muchas que ocurrieron en ese pais.
“Se ha definido como un aire folclórico esquivo en su escritura, ya que tratar de reducir este ritmo caprichoso, saltón e inestable, al encordado rígido del pentagrama, no es cosa fácil. Para quienes no conocen de música, se puede decir que el bambuco, es algo mas que un ritmo, algo mas que un conjunto de piezas, es un estilo, una forma de hace música nacionalista de salón, con intensiones de virtuosismo.
El Bambuco, es un ritmo terciario de 3/4 y 6/8, ejecutado con base en instrumentos cordófonos: tiple, bandola, guitarra y requinto; en algunos casos se le agrega pandereta y flautas metálicas o típicas: algunas estudiantinas han llegado a utilizar contrabajo y violín, y poco a poco, los compositores de cada nueva generación, le han ido introduciendo variedad de instrumentos, siendo así que en la actualidad se interpreta en todo tipo de conformaciones instrumentales y vocales; desde un solista, hasta una orquesta sinfónica o un gran coro polifónico.”
El bambuco es uno de los géneros musicales mas importantes de nuestro territorio Colombiano, por tal motivo se le es reconocido entre los emblemas de nuestro país.Se puede decir que el Bambuco, es un género que trascendió en el ámbito nacional, por diferentes regiones de nuestro territorio.
EL origen de este género musical no es muy claro para los diferentes historiadores e investigadores, algunos dicen que su origen es Africano, otros chibcha y otros mas español, pero hace falta oír una canción o ver un danza para darnos cuenta queel Bambuco cuenta con un estilo propio y totalmente COLOMBIANO.
Santander, Antioquia, Tolima, Cundinamarca, Cauca y Boyacá son los departamentos por los cuales este género se hizo presente y quedo arraigado hace mas de 50 años.
Se dice que es un género que se presta para diferentes variaciones, debido a lo difícil que resulta escribirlo en una partitura.
En el momento de la danza, la representación del bambuco está basada en el amor, argumentando que es el proceso del romance campesino expresado a través de movimiento. El pañuelo es muy importante en el baile, ambos lo usan, y es el auxiliar para el coqueteo y la conquista.
“Yo me llamo cumbia, yo soy la reina por donde voy no hay una cadera que se esté quieta donde yo estoy mi piel es morena como los cueros de mi tambor y mis hombros son un par de maracas que besa el sol”.
La CUMBIA.....
"Derivada del vocablo africano "Cumbé" que significa jolgorio o fiesta. La cumbia es un ritmo Colombiano por excelencia, cuyo origen parece remontarse alrededor del siglo XVIII, en la costa atlántica de este país, y es el resultado del largo proceso de fusión de tres elementos etnoculturales como son los indígenas, los blancos y los africanos, de los que adopta las gaitas, las maracas y los tambores.
Este alegre ritmo caribeño se desarrollo en la parte alta del valle del río Magdalena. Se dice que tuvo como epicentro la ciudad del Banco (magdalena). Existe una polémica por el sitio exacto en el cual se desarrollo la cumbia, porque existe una canción llamada YO ME LLAMO CUMBIA: "Yo nací en las bellas playas Caribes de mi país; soy Barranquillera, Cartagenera, yo soy de ahí; soy de Santa Marta, soy Monteriana pero eso sí: ¡yo soy colombiana, o tierra hermosa donde nací!.
La cumbia nace al mezclar los sonidos la flauta de millo o bambú, la gaita, el guache, las maracas y los tambores que son: Tambor llamador (macho), Tambor alegre (hembra), Tambora.En conclusión se puede decir que la cumbia logra su difusión en la ciudad caribeña de Barranquilla, ayudada por el carnaval que allí se realiza, donde siempre es homenajeada.
Es considerada por mucha gente como la reina de los ritmos afrocaribeños, porque en ella se combinan tambores africanos, melodías criollas y danzas indias".La cumbia, es la expresión más pura del mestizaje colombiano".
Toto La Monposina....
Sonia Bazanta Vides, más conocida como Toto "la Momposina. Cantadora, oriunda de la isla de Mompox, de padre percusionista y madre cantaora y bailarina, pertenece a la cuarta generación de una familia dedicada a la música. Aprendió a bailar y a cantar desde niña. En 1964 conformo su primer grupo en compañía de sus padres y sus hermanos. Su música representa elementos africanos e indígenas.
Estudio música en el conservatorio de la universidad nacional de Colombia.
Toto encarna la esencia del campesino común, que ama todo lo que le rodee, en sus canciones se puede encontrar la música y las danzas de Mompox, su tierra natal, y de otras regiones del caribe Colombiano, ritmos, cantos, instrumentos, costumbres, gran cantidad de elementos que hacen parte de nuestra identidad Colombiana. Toto es una de las principales exponentes de música colombiana, y para mi y para muchos mas es un orgullo saber que es una de nosotros, una Colombiana que no ha perdido sus raíces sino que cada día busca dar a conocer la multiculturalidad que existe en nuestro país, en una de sus formas que es la danza y la música.
PEtrona Martínez, de madre y abuela Bullerengueras, se dice que es la voz afrocolombiana mas autentica de todo el caribe. Sus composiciones generalmente cuentan todas sus vivenvias familiares, su amor a la tierra y a los animales, al igual que cantaba por los trabajos desmedidos de su gente para poder ganarse la vida.
Se puede decir que fue formada en las fiestas patronales de su pueblo natal, San Cayetano, al igual que en las celebraciones familiares. Cantaba con sus tías y su abuela, de allí que aprendió a cantar bullerengue.
Petrona Martínesz es reconocida por ser una de las únicas y más destacadas cantaoras y compositoras de la música afroamericana en Colombia.
Empieza a grabar discos con su grupo en la década de 1980. A partir de ese momento su nombre empieza a ser reconocido en sitios diferentes al barrio en donde vivía, Palenquito. Puede ser asegurado que a partir de 1990 la voz de Petrona Martínez es reconocida tanto nacionalmente como en el exterior. Es una excelente embajadora del folclor Colombiano y se alegra de poder llevar su música de origen africano de su tierra.
"Vestida con blusa blanca y polleras de flores, sentada en una mecedora, canta como siempre lo ha hecho, aunque ahora caliente su voz con sopas caseras en vez del ron de antes", esa es Petrona Martínez, cantaora, Colombiana.
COLOMBIA, como lo pudieron deducir. Por ahí empezo mi viaje. Me atrae mucho la diversidad de representaciones artísticas que tiene nuestro país, y que muy pocas personas realmente conoce. Colombia es un país con una riqueza musical muy amplia probablemente dado de la unión de 3 de culturas diferentes, las cuales han diseminado por todo el territorio una gran variedad musical. El bullerengue, el mapale y la cumbia probablemente sean 3 de las expresiones musicales y de danzas con más fuerza y reconocimiento en los días de hoy.
El Bullerengue
Es una de las expresiones musicales que mas me llamo la atención de la gran variedad que se puede encontrar en nuestro país. Podría decirse que su representante principal en Colombia y ante el mundo es Petrona Martínez. Pero antes de darles a conocer un poco de esta gran cantaora, me gustaría enseñarles lo que descubrí acerca del bullerengue.
“Ritmo ritual propio de las comunidades afrocolombianas del Palenque de San Basilio. Considerado como un legado de las expresiones estéticas africanas, fue reinventado a este lado del Atlántico. Es una de las tonadas más importantes del repertorio melódico de la costa Caribe colombiana. Musicalmente es un toque de tambores, yamaró, quitambre, bombo y en casos especiales, de pechiche, acompañados con cantos y toques de palmas de las manos o de tablillas". Se puede decir que el ritmo es acentuado y autónomo, con sonidos secos realizados por los tambores, sin derivaciones hacia la melodía. Su interpretación es realizada por hombres, que se encargan tanto de tocar los instrumentos como de cantar junto con las mujeres. Al cantarlo, se establece un dialogo entre la voz principal y un coro formado por las demás cantantes. El uso de laleo es continuo.El bullerengue es un ritmo alegre, muy enérgico, por tal motivo requiere el uso de fuerza vital. Los tambores, cantos y palmas nunca faltan en este ritmo, clara ejemplo de las herencias africanas en Colombia.
